Sanrizuka, una tierra campesina cerca de la ciudad de Narita en la prefectura de Chiba, se había establecido, desde 1868 a 1968 como una población recia que hizo de un suelo volcánico yermo una tierra fértil. Durante la Era Meiji, el campo de esta ciudad era usado por los señores feudales como una especie de establo y campo para practicar equitación. Sin embargo, la ciudad capital fue creciendo y la necesidad de alimentos fue tan alta que decidieron otorgarle la tierra a un grupo de campesinos. Así fue como la población campesina de Sanrizuka, trabajando contra la adversidad biológica de un terreno que hacía arduo y extenuante el cultivo, transformó durante 100 años estos terrenos en un lugar fértil y próspero. Sin embargo, para 1968 el gobierno, desconociendo un centenario de legado agrícola, decide que en este pueblo se construirá un aeropuerto, que estaría conectado con la ciudad de Narita. Este acontecimiento deriva en el levantamiento de los campesinos de la región, que en su gran mayoría se oponían a los planes del gobierno que quería despojarlos de su tierra. Con corazón entregado, consciente que el cine es arma discursiva que puede y debe incidir en el aquí y ahora, que no funciona sólo como un aparato de registro de la realidad, sino que también denuncia, se inmiscuye e interviene sobre la realidad social, Shinsuke Ogawa y un equipo de jóvenes se muda a la región de Sanrizuka, donde vivirían casi por 8 años, para simpatizar con la causa política. Su aporte: su cine. Él y su equipo ponen a disposición el conocimiento en pro de los campesinos y esta película es el primer resultado de esa relación fervorosa de simpatía y escucha. Con las imágenes Ogawa alterna entre planos, sin una linealidad temporal que hace sentir que todo ocurre de manera simultánea, como si la lucha fuera un largo día de verano que inicia y no tiene fin. Él y su equipo consideran que la transgresión de ciertas reglas a la hora de hacer cine, como la desincronización del audio y la imagen, crean un efecto de distorsión y separación que permite concentrarse en los discursos políticos que se pretenden destacar y defender. Mientras se escuchan voces anónimas sin una fuente precisa, se permite pensar que esta voz cambiante de entonaciones y ritmos le pertenece a todo el pueblo. En las imágenes hay una colección de rostros, en los que está tallada la historia de un pueblo, los rasgos de generaciones que han entregado su vida al campo y que se ven arrojados a una lucha política que consideran injusta, pero a la que oponen completa resistencia. Ogawa y su equipo concentran sus imágenes en los diálogos de organización y consolidación del movimiento de protesta, así como en los conflictos del pueblo con los policías. Su cámara toma una postura clara, haciendo del adversario (los policías) un cuerpo homogéneo ante la cámara. En la mirada se insiste en los elementos de desigualdad que hacen más evidentes y señalan la complejidad de este movimiento. Mientras ellos estaban armados y protegidos, la población se armó de palos, piedras y cascos para intentar combatir. Gracias a Ogawa es posible rememorar este cruel episodio de la historia, en el que las brechas de la desigualdad se hacían notables en la precariedad de las herramientas del pueblo para la batalla. Este es un documental que no “documenta” la lucha, sino que se involucra en la lucha. Su alcance permite pensar en los discursos políticos que se apropian de la legitimidad de la violencia y cómo el cine encuentra caminos, desde la disrupción formal, para inquietar el pensamiento y la mirada, para hacer de la estética un terreno de disputa, una herramienta de crítica y liberación.